Con motivo del 40 aniversario del lanzamiento de Aladdin Sane allá por 1973, David Bowie se ha reunido con el aclamado ingeniero Ray Staff para remasterizar el que fue uno de sus mejores trabajos en los 70.
Aladdin Sane fue el sexto trabajo del Duque, y se publicó poco después del archifamoso The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972). Quizás por culpa de la resaca producida por el éxito de Ziggy Stadurst..., el disco que aquí analizamos no tuvo la acogida apabullante de su antecesor. Si bien es cierto que el disco no tiene ningúnStarmanoZiggy Stardust, es indudable que Bowie se encontraba a principios de los 70 en una forma excelente, y en Aladdin.. sigue demostrándolo.
Aunque el disco cuenta con un fuerte aire rockero en plan Rollings de los 70, encontramos múltiples registros. Cual camaleón, el británico cambia de color en cada una de las canciones como pez en el agua. Un puto alien enjaulado en el planeta Tierra con una guitarra y un piano.
El disco comienza con Watch That Man, donde ya nos parece oir por momentos a los Rolling. La mezcla final de la canción ha sido criticada muchas veces, ya que en ciertos momentos parece que la voz pierde fuerza en pos de los instrumentos.
En Aladdin Sane encontramos quizás el tema más bizarro del disco, donde Bowie nos muestra su faceta más jazzera. Incluye un solo al piano del músico Mike Garson, a quien Bowie pidió que tratara de imitar el jazz de vanguardia de finales de los 60. Una maravilla chico.
Drive-In Saturday es un homenaje al estilo Doo Wop, tan popular en las décadas precedentes. Esta canción, que sería publicada como single, nos habla de una sociedad futura que no recuerda cómo se practica el sexo, y acuden a vieja pornografía para recordar los pasos a seguir para echar un polvo. Temazo.
Panic In Detroit trata sobre la revuelta conocida como 12th Street riot, que ocurrió en julio de 1967 en Detroit, cuando unos policías que trataban únicamente de acabar con una fiesta a altas horas de la madrugadaen un bar acabaron provocando una de las mayores revueltas conocidas en la historia de EEUU. En una ciudad mayormente poblada por afroamericanos, y cuando la lucha de los derechos civiles se encontraba en su punto álgido, no sorprende tanto lo sucedido. Durante tres días, se saquearon más de 2500 locales y murieron 43 personas.
Inspirada en los ritmos de Bo Diddley, llama la atención la inclusión de una conga, que le da un aire más colorido a la canción. Viva David Bowie joder!
Jean Genie es el segundo sencillo que se publicó a partir del disco. En esta canción es donde Bowie más nos recuerda a su colega Iggy Pop. Muy bailable.
Time es un homenaje al cabaret de los años 20, mientras que Prettiest Star es una versión de la original que Bowie ya había grabado junto al líder de T-Rex Marc Bolan pocos años antes.
El disco también contiene un homenaje a la canción de los Rolling Stones Let's Spend The Night Together, aunque en mi opinión no consigue superar a la original en absoluto, ni tampoco aportar una versión muy distinta.. En definitiva, pichí pichá.
Quizás una de mis favoritas es Lady Grinning Soul, una canción genial dedicada a su amante y cantante de Soul Claudia Lennear. Esta mujer no habrá pasado a la historia por su música, pero debía de ser una maravilla en la cama, porque Mick Jagger también se quedaría prendado de sus encantos y le dedicaría uno de los mejores riffs de los Rolling Stones en Brown Sugar.
En definitiva, si alguien os dice que este disco no mola en comparación con otros trabajos, arrancadle los ojos sin piedad. Aladdin Sane es un disco mayúsculo, donde ninguna canción desentona. Como la mayoría de los trabajos de nuestro camaleón favorito, Aladdin Sane exige más de una escucha para poder sumergirse en el extraño mundo de Bowie. Por eso os recomendamos que no os rindáis si al principio no convence... No os arrepentiréis!
En la redacción central de Marsupio nos negamos a aceptar que el veranillo de estos días haya sido sólo un simulacro. Queremos calor, sol y sobre todo queremos el buen rollito veraniego.
Así que empacamos las chanclas, un par de camisetas y poco más y comenzamos el éxodo. Dejamos atrás la Babilonia de fríos, lluvia, y caras pálidas para llegar hasta el paraíso de las fiestas en la playa a ritmo de reggae. El camino será largo, pero se pasará en un periquete si vamos al ritmo de The Lions.
The Lions - aunque faltan algunos
Efectivamente amigos, hoy traemos reggae del bueno manufacturado por The Lions, un grupo/colectivo radicado en Los Ángeles. Los integrantes son un montón de músicos de primera línea, salidos de bandas de Soul, Jazz o Hip Hop, que comparten su amor por la música jamaicana con la que se criaron. La mezcla pinta bien, tipos con experiencia que se juntan por gusto para tocar música que les encanta.
Su trabajo más reciente salió en febrero del 2013 y lo firma la discográfica Stones Throw Records, que ya nos tiene acostumbrados a música de calidad (recordemos a otro fichaje suyo, Mayer Hawthorne). Si husmeamos en este álbum, titulado This Generation, nos encontraremos música hecha con cariño, que imita el estilo de los padres de este sonido. En palabras de Dan Ubick, el productor:
"All the guys in The Lions grew up on classic Jamaican records so since we began we have wanted to give our records that same edge and roughness that we grew up hearing on LPs by The Upsetters, Soul Syndicate, The Rockers Band and Roots Radics. The rhythm section was all recorded to tape, the Hammond buzzed a little, fuses blew and good mistakes were left in. We basically made the dusty reggae soul LP WE have been wanting to hear for years."
Aquí os dejo una selección para que veáis que no nos estaba vendiendo la moto.
Videoclip de la canción que lleva el nombre del disco: This Generation
Videoclip de Roll it Round, buen rollo hecho música
Tengo que destacar el tema Padre Ichiro, en el que nos cuentan la historia de un tipo que está enamorado de su novia. Su novia sin embargo está enamorada de la marihuana y pasa de él olimpicamente. Aquí me han hecho reír, sin duda mi preferida de This Generation.
Padre Ichiro, la favorita de los marsupiales!
Poco más que decir, se trata de un disco más que decente, aunque tampoco es la revelación que te va a cambiar la vida. Además han sacado algunos de sus canciones en versión dub y siempre podremos echarles mano para levantar el ambiente. Música con sabor 100% verano, así que animaos y pasaos por la fiesta de The Lions!
Te gusta el jazz? Te gusta el hip hop? Puedes apreciar la electronica? Entonces Grand Pianoramax es para ti!!!
Este singular grupo nacido en 2005, cuya alma mater y lider es el pianista suizo Leo Tardin, acaba de publicar trabajo este mes, Til There's Nothing Left.
Leo Tardin estudió en la New School de Nueva York, una de las escuelas más prestigiosas de música moderna. En 1999, cuando aún estaba estudiando, ganó el concurso de piano del festival de jazz de Montreux. Tras acabar sus estudios en el año 2000, estuvo embarcado en varios proyectos hasta que en 2005 sacó el primer disco con Grand Pianoramax.
La banda ha pasado por varias formaciones, manteniendo siempre piano y batería. Escuchando los discos encontraremos temas instrumentales, con narraciones, o rapeados. La formación para este disco consiste en Leo Tardin, el batería suizo Dominik Burkhalter y Black Cracker al micrófono.
Til there's nothing left destaca por un sonido más oscuro y atmosférico que trabajos anteriores.
El álbum abre con el tema que da título al disco, a ritmo de un Rhodes ligeramente saturado y con un delay hipnótico y persistente que anticipa el ambiente del disco.
Call it like you like it, el segundo tema del disco, abre con un piano, dejando ver la facilidad de Leo Tardin al tocar, aunque no hace gran uso de su virtuosismo en ningún momento en el disco. Ojo, que este tío es un monstruo, no hay más que ver alguno de los vídeos colgados en su página
Black Cracker alterna letras rapeadas con estribillos cantados, aportando mayor musicalidad. Quizás a los más puretas del rap no les emocione esto. De hecho, a los más puretas de ningún género les gustaría esto....
Un poco después encontramos Runaway, uno de mis temas favoritos del disco, posiblemente el mas duro, con una base digna del underground. Black Cracker también adopta una métrica y un ritmo que nos acerca al rap tradicional.
Eso si, todo cambia cuando llega el estribillo, que eleva la dinámica del tema, sugiriendo imágenes que se pueden asociar al título del tema.
Poco después podemos encontrar Daybreak. El piano resulta muy emotivo, podría ser una pieza para piano solo sin problema. Dominik Burkhalter y Black Cracker pasan de sentimentalismos y le dan a lo suyo, quedando un contraste muy chulo.
Unos pocos temas más adelante encontramos Nights Turn to Days:
El riff me recuerda a otra canción, que ahora no consigo ubicar. Algo así entre el E.S.T. trio (gran grupo sueco extinto) y los Pet Shop Boys, no me preguntéis el porqué.
A continuación encontramos Cry Alone, donde volvemos a un corte más rapero. De nuevo, el uso de la métrica y ritmo de Black Cracker me parecen muy originales y con mucho gusto. Para este no tenemos soundcloud. Si lo queréis escuchar, tendréis que ir a su bandcamp, marsupios.
Casi cerrando ya el disco encontramos otro de mis favoritos, el sencillo, pero genial Dub Delay, que podría etiquetarse incluso de trip hop, allá vosotros! Una vez más con el Rhodes y a solas con Dominik esta vez, Leo crea una atmósfera que te atrapa, te engancha y te vicia, queriendo volver a por más.
Pero no todo son pirópos al disco. He decir que en algunos momentos me parece que no tiene continuidad, que si, que todas las canciones son de la misma gente, pero parecen sacadas de dos discos distintos ¿Será por qué grabaron el disco en Febrero, Mayo, y Diciembre del año pasado, en tres localizaciones distintas? Puede ser.
Si os ha gustado esto me escucharía algo de lo que han hecho antes. Personalmente me gusta mucho el tema Infidel en cuanto lo oí me recordó al Largo de Mehldau.
De la isla del Fish & Chips y las minifaldas en pleno invierno proviene la nueva presa del marsupio musical. Nacida en el sur de la capital inglesa, esta cantante de origen judío se ha bastado con un buen sintetizador (que éh lo que se lleva ahora), le ha metido un poquito de reverberación a su voz a lo Beach House para darle un toque cautivador a su música, y pa'lante. Las canciones de esta extraña belleza te envuelven en una atmósfera casi somnolienta. La elegancia de la voz combinada con el sintetizador recuerda mucho a la también británica Sade, por la que profesamos devoción por estos lares, evidentemente.
Hace menos de un año presentó el que es su primer disco, Devotion (Agosto 2012) después de haber hecho unas pocas colaboraciones para el Dj Aaron Jerome en su proyecto SBTRKT.
Más que unas elaboradas letras, este disco destaca por un sonido muy envolvente. Desde la primera canción se percibe. Os dejo aquí la premiere que hizo la artista para la presentación del disco.
Jessie Ware - Devotion
En Running el tiempo se detiene. En esta canción es donde la señorita Ware más nos recuerda a Sade. En ella saca su voz más sensual, siempre acompañada por el sintetizador, que no dejaremos de oir en todo el disco.
Jessie Ware - Running
Por último os pondré la que a mi parecer es quizá la mejor canción del disco. La voz de la artista comienza con un tono muy masculino sobre un ritmo que engancha desde el primer momento. La canción va ganando fuerza hasta culminar con la entrada de una guitarra que repite el mismo riff hasta que nos quedamos sin fuerzas.
Jessie Ware - Sweet Talk
PS: Ante el gran éxito del disco, el sello ha decidido publicarlo de nuevo hace una semana en una edición especial que incluye 4 canciones no publicadas antes. Se parece notar un leve giro hacia el pop electrónico noventero, muy a lo Kylie Minogue. Se aleja ya un poquito de las orillas de la isla marsupial, pero os dejamos aquí una muestra para los más bailongos. A bailar se ha dicho. Coño.
Vigila tu espalda, una sombra te persigue. Cuidado al doblar cada esquina, volverte paranoico no va a ser suficiente para sobrevivir. No vas a librarte de la maldición. Ghostface Killah ha vuelto y no vas a escapar!
Sí señor, Ghostface Killah uno de los fundadores de Wu-Tang Clan ha sacado un nuevo disco, Twelve Reasons to Die. El formato físico saldrá a la venta el 22.04.13, pero podeis reservarlo online o comprar la version MP3 directamente.
Este trabajo trae consigo un par de sorpresas.
La primera, el rapero vuelve a sus inicios más duros. Su carrera en solitario se ha inclinado hacia sonidos comerciales. Ha colaborado frecuentemente con artistas de R&B y la temática de sus rimas distaba bastante del mítico 36 Chambers con el que debutó Wu-Tang Clan.
La segunda es que las bases, la composición y la producción corren a cargo de Adrian Younge, del que hablaremos largo y tendido porque es un artista mayúsculo. Esta vez no encontraremos a RZA tras la mesa de mezclas como en casi todas las grabaciones de los miembros de la familia Wu. En esta ocasión se queda como productor ejecutivo y, bueno, ya veremos que hace una aparición, pero de una forma más retorcida.
El último adjetivo es el que mejor se describe lo que va a sonar. Es retorcido, bizarro, oscuro y nos dará alguna sorpresa.
Lo primero es comentar que se trata de un álbum conceptual, es decir que todas los temas tendrán un hilo conductor y no serán una simple colección de buenos singles que se amasan juntos para sacar un maxi.
Twelve Reasons to Die es la banda sonora para un comic de RZA. Os avisé de que volvería a aparecer. Pero no es del todo así la cosa. Este escribió el comic después de juntarse con Adrian Younge y trazar el concepto y la ambientación. Una vez fijado esto sacaron el comic y después se le puso música.
La trama se centra en el personaje de Tony Stark, uno de los alias de Ghostface Killah, que trabaja para una familia de mafiosos italianos, los DeLuca, en el Nueva York de los años 70. El protagonista decide traicionar a la familia e intentarlo por su cuenta con la venta de drogas. Además se enamora de la hija del jefe. Craso error. Obviamente ella lo traiciona y los DeLuca lo hacen picadillo.
Pero esto es sólo el principio de la historia. Hasta ahora no ha aflorado la locura bizarra y vengativa típica de las historias de Wu-Tang Clan.
Los DeLuca imprimen los restos mortales de Tony en doce vinilos y se los regalan a miembros de la familia para reafirmar su triunfo sobre el traidor.
Segundo y último craso error.
Cada vez que se escucha uno de estos doce vinilos, Tony Stark vuelve de entre los muertos convertido, por supuesto, en Ghostface Killah, un fantasma con una mirada asesina. El resto os lo podeis imaginar!
La ambientación es muy potente, se nutre de toda la imaginería de las películas giallo (típicas producciones de los 70, todo casquería barata, gore y misterios a la italiana) y de las historias de venganza que tanto gustan a RZA (véase Afro Samurai).
Para ponerle música a esta narración el compositor vuelve a confiar en su banda, Venice Dawn. Todo está grabado en analógico y con instrumentos sacados de la misma época que las películas giallo. Se puede decir que Younge es un pureta del sonido y lo que hace, lo hace a conciencia.
Así que oiremos a Venice Dawn tocando con un fuerte sabor al mítico compositor musical Ennio Morricone, mientras que por debajo nos tumban con potentes bases que son un claro tributo a los primeros trabajos de RZA.
Ghostface por su parte se mueve con soltura por los grabaciones conceptuales, ya que no es su primera vez. Sus rimas son fieles a la trama y no se desvían para dejarle en buen lugar.
En los dos primeras pistas le deja espacio a la banda y se retira del foco de atención. Las rimas no son gran cosa porque prima el desarrollo de la historia.
Se espera a I Declare War, cuando se declara la guerra entre Tony Stark y los DeLuca. Aqui GFK se hace fuerte junto con Masta Killa y atacan con rimas feroces. Esta canción es una locura, ritmo lento, ambiente oscuro y una soprano que dan el toque operístico inquietante.
I Declare War - feat Masta Killa
La quinta tema The Center of Attraction es cuando el personaje se enamora de la hija del jefe. Comienza con una guitarra reverberante, una sección de cuerda, un coro y el sonido de ráfagas de viento para dejar paso a GFK y Cappadonna. Vienen con rimas lentas y desesperadas. El personaje no se puede fiar de su amada y esto se refleja en el estilo de los raperos.
The Center of Attraction - feat Cappadonna
La siguiente pista Enemies All Around Me cuenta con el falsetto William Hart de The Delfonics para añadir dramatismo a la paranoia que sufre el personaje. Hart repite como una letanía, enemigos a tu alrededor, cualquier fallo será tu final. Ojo que ronda los 70 y está en una forma impresionante.
Enemies All Around Me - feat William Hart
Acto seguido se consuma la traición de su amada en An Unexpected Call. Aquí acaba Tony Stark para dar paso al asesino de ultratumba Ghostface Killah en la magnífica Rise of the Ghostface Killah. Una canción llena de referencias a RZA y Wu-Tang, estribillos que ya nos suenan de conocidos y el mítico It's the Ghost-face-kilaaaaaaaaah!. Aquí encontramos algunas de las rimas más frescas de todo el disco (y sí, me he leido todas las letras…), buscad las letras!
Rise of the Ghostface Killah
El resto no supera este punto álgido aunque se queda a muy buena altura. Exploradlo vosotros mismos porque no decepcionará.
Para ir concluyendo voy a comentar mis impresiones sobre Twelve Reasons to Die. Lo primero que me llamó la atención aun antes de escuchar el disco es como está presentado, Adrian Younge presents Twelve Reasons to Die featuring Ghostface Killah.
A Younge le tengo echado el ojo desde hace tiempo, porque sus obras anteriores son geniales, sonido muy cuidado, puro y con mucho respeto a los 70, pero sin caer en homenajes sin sentido. Que el peso recaiga sobre él es una gran responsabilidad que ha sabido llevar con mucho estilo. Si tengo que destacar sólo una cosa de esta grabación es su trabajo con la instrumentación y la composición, antes que las rimas. Bueno, miento, lo que más me ha gustado es la ambientación y el concepto, pero eso también es en gran parte mérito suyo!
Además RZA no parecía tener mucho que ver y eso me pareció curioso. The Man With the Iron Fists no me gustó mucho y me parece que esta colaboración de Younge y GFK lo supera con creces. Trae mucho aire fresco a un concepto que RZA ya tiene bastante estudiado, recordemos Ghost Dog, Afro Samurai 1 y 2 y su última publicación entre otros.
Por supuesto, si estás metido en toda esta locura de Wu-Tang, con sus miembros, sus alias, las referencias a las artes marciales y todos esos lugares comunes que aparecen durante su trayectoria musical, entonces Twelve Reasons to Die es un álbum que vas a devorar.
Además de las doce pistas se incluyen las versiones acústicas de todas ellas. Estas bases no desmerecen en absoluto y se merecen una buena dosis de atención.
The Stranger (1977) es el quinto trabajo de Billy Joel, un músico del Bronx que, alternando su pasión por practicar boxeo con su trabajo como pianista de bar, había conseguido empezar a grabar canciones propias. Sus primeros discos dejan entrever el talento que poseía el neoyorquino, e incluyen grandes obras que han perdurado en el tiempo, incluidas Piano Man, Captain Jack o Streetlife Serenade. Para el disco que analizamos aquí fichó al productor Phil Ramone, quien había trabajado ya para gigantes como Paul Simon o Garfunkel. Quizás por ello, en comparación con sus predecesores, The Stranger es un disco con una proyección superior, con canciones memorables que se escuchan por separado, como si se tratara de una recopilación de grandes éxitos sin realmente serlo.
Cuando llegó a mi The Stranger, me dio tal hostia que estuve varios días obsesionado con la mayoría de canciones. La mítica The Way You Are ya era conocida para mi, entre otras cosas, por estar incluida en la larga lista de canciones que mi padre nos ponía de pequeños a mi hermana y a mi los domingos por la mañana. Cuando volví a oirla me dio una de esas sacudidas nostálgicas que te dejan jodido para todo el día. Una de las mejores canciones de amor que he oido en mi vida. Un auténtico flipazo. Que le jodan a Elton John y a todos los demás.
Billy Joel - Just The Way You Are
Movin' Out (Anthony's Song) es la canción que abre el disco y es otra de las que, cuanto más la escuchas, más te engancha. Una canción que mezcla historias de personas anónimas demostrando la facilidad que tenía este hombre para hilar el piano con su voz suave. Muy rockera.
Billy Joel - Movin' Out (Anthony's Song)
The Stranger lleva el título del disco. En ella, Billy nos habla del extraño que todos llevamos dentro y que no queremos mostrar jamás a los demás. Tras una hipnotizante introducción, te atrapa hasta el final de la canción. Otro temazo más.
Billy Joel - The Stranger
Only The Good Die Young es la canción que toda persona debería escuchar por las mañanas cuando se presenta un día jodido. Es pura energía. La canción trata de un picha brava que se está intentando beneficiar a Virginia, una católica de la vieja escuela que no piensa concederle su virginidad a cualquiera. La canción fue prohibida en varias emisoras, lo cual por supuesto no hizo más que aumentar las ventas. Aun así, Virginia no accede en la canción a sus encantos. Sigue intentándolo, picha brava!
Billy Joel - Only The Good Die Young
Por último, os hablaré de la canción Vienna. Cuando descubrí el disco yo ya andaba por aquí y esta canción podría haber sido la mejor manera de rematarme en el suelo después del éxtasis producido por la anteriores canciones. Pero todo se quedó en un amago. Por mucho que comparta su amor por esta ciudad, Vienna me parece quizás la canción más floja del disco. Pero estoy seguro de que todos le perdonaremos. Os la dejo aquí para que juzguéis por vosotros mismos.
Billy Joel - Vienna
The Stranger es un disco mayúsculo. Una obra casi perfecta que no hizo más que seguir aumentando el éxito que Billy Joel había empezado a fraguar con Piano Man (1973) y Streetlife Serenade (1974), discos que os animo a que también escuchéis. Un verdadero genio.
Charles Bradley ha sacado nuevo disco Victim of Love. Lo aviso, porque puede no parecerlo la primera vez que se escucha. Podría ser una reedición de un trabajo antiguo o un proyecto que se dejó en un cajón mucho tiempo y recién se ha descubierto. Es lógico llegar a esta conclusión, porque Bradley no le hace muchas concesiones al paso del tiempo, su música tiene un sabor auténtico a Soul sesentero. No es que él tenga nostalgia por esa época dorada, no, es que desde los 60 lleva queriendo grabar y hasta ahora no ha tenido la oportunidad!
En el 62 su hermana lo llevó a un concierto de James Brown en el teatro Apollo y se enamoró del estilo y el magnetismo de Mr. Dynamite. Decidió entonces que lo suyo iba a ser la música y se preparó para ello. Por desgracia el destino no siempre apoya estas iniciativas y Bradley ha hecho de todo durante estos años. Aceptó una miríada de trabajos mal pagados mientras que, con la tenacidad de un corredor de fondo se desgañitaba en escenarios locales. Por suerte un talento tan grande no pasa desapercibido mucho tiempo y un día, después de una actuación lo invitaron a grabar con Daptone Records.
Desde entonces ha grabado dos álbumes, No Time for Dreaming en 2011 y Victim of Love, que salió el 2 de Abril de este año 2013.
En este nuevo trabajo nos encontramos al Bradley de siempre. Quejidos, gemidos, y ritmos lentos llenos de pasión y fuerza, a veces mitigados por un coro con mucho tacto. Un ejemplo de esto lo encontramos en la canción que lleva el nombre del disco Victim of Love.
Victim of Love
Pero también nos muestra su cara amable en You Put the Flame on It. Una canción alegre, con mucha interacción entre él y el coro, una sección de vientos animada y un bajo muy juguetón.
You Put a Flame on It
También nos encontramos coqueteos con Soul psicodélico en Confusion, seguido de Where Do We Go from Here. La primera tiene todos los elementos del género, organos, guitarras wah-wah, bajos distorsionados y un Charles Bradley convertido a predicador enardecido. Espectacular!
Confusion
Pasado el tramo psicodélico nos damos de bruces con uno de los temas más emotivos del disco Crying in the Chapel donde ya no aparecen coros que nos distancien de la doliente fuerza de Bradley.
Crying in the Chapel
El cierre viene de la mano de Through the Storm. Es una canción lenta y dramática con una profunda raíz espiritual. Se puede intuir sin problemas la carga autobiográfica, un sincero agradecimiento a sus fans y a los que le hayan ayudado a cumplir su sueño 49 años después de ver ese decisivo concierto de James Brown. Imposible no conmoverse un poco con semejante declaración!
Through the Storm
Mi opinión es simple, hace tiempo que no escucho un disco tan bueno de Soul actual.
Otros músicos se dedican a este estilo musical porque les parece una estética atractiva que está resurgiendo, Bradley lleva rumiando esta música desde los 60. Son más de cuarenta años persiguiendo un sueño y tanta pasión se nota. Todos los palos que le ha dado la vida están presentes en cada aullido desgarrador y eso no se puede imitar. Lo que realmente estoy esperando es ver un concierto suyo, porque estoy convencido de que se va a dejar la piel y la voz.
Miguel Jontel Pimentel es otro de esos miembros de la nueva ola de RnB que se están haciendo con un pedazo del pastel dentro del mercado musical afroamericano. A sus 27 años ya va por su segundo disco y, si bien el primero no tuvo una gran acogida entre el público gracias en mayor o menor medida a una promoción pésima, el segundo le ha asegurado una plaza en la cumbre de la música negra actual.
Como el título del disco sugiere, la escucha del disco supone un viaje por el mundo de los sueños y las sensaciones. Salvo pequeñas raciones de Pop ñoño que no destacaremos aquí, el disco cuenta con una producción muy colorida que se mueve entre el Soul, el Hip-Hop y algún que otro desliz guitarrero.
Como él mismo ha dicho en alguna ocasión, se notan ciertas influencias de Prince. Pero no tan sólo en la música, sino también en una estética que en ocasiones da escalofríos. Quizás la inspiración de este chico dependa de la cantidad de gomina que transporta en su cabeza. En ese caso se podrían entender esos peinados tan jodidos.
El toque lobotomía merece un APLAUSO
El primer single Adorn se publicó poco antes de que álbum saliera a la venta (Octubre 2012). Ganó el premio a Mejor Canción RnB en los Grammy, arrebatándole el premio a Frank Ocean por su "Thinkin Bout You", que ya posteamos aquí recientemente.
Miguel - Adorn
Se han sacado dos singles más del disco, pero desde el nido marsupial os queríamos recomendar alguna otra que nos ha llamado más la atención.
En la canción que da título al disco, Miguel prueba con ritmos más hip-hoperos. Contundente base pero con ese toque sensual tan característico del Soul.
Miguel - Kaleidoscope Dream
Por último, os dejamos también con esta canción, que incluye un genial homenaje de un minuto al final de la canción a la mítica "Time of The Season" del aclamado Odessey and Oracle (1968), de The Zombies
Pura elegancia afroamericana!
En el último Listen Whitey! hablaba de la declaración de intenciones de Marvin Gaye en su álbum What's Going On. Hoy voy a comentar la que hizo el mítico James Brown con la canción Say It Loud (I'm Black and I'm Proud).
Corría el año 1968 y en Estados Unidos había de todo menos tranquilidad. Los guetos y la comunidad afroamericana estaban en pie de guerra para reivindicar sus derechos. Ya no sólo era el movimiento pacifista del Civil Right Movement el que clamaba por reconocimiento y derechos sociales para la comunidad negra. Habían aparecido otros movimientos y muchos abogaban por la acción directa, (For God's Sake) Give More Power to the People coreaban los seguidores de los Panteras Negras en manifestaciones por los barrios de todo el país.
Para ahondar aun más la ruptura social del momento, Martin Luther King Jr. fue asesinado el 4 de Abril de ese año en Memphis. Que arda todo pensarían muchos ciudadanos de a pie, sobre todo porque era vox populi que hubo una conspiración del gobierno para asesinarlo. Años más tarde, en 1999 un jurado popular fallaría a favor de que el asesino actuaba en conspiración con agentes del gobierno.
Por aquel entonces Brown era una mega estrella del soul, provocaba desmayos en sus conciertos y tenía una marea de fervientes seguidores. Se había ganado a pulso los sobrenombres de The Hardest Working Man in Show Business, Mr. Dynamite o The Godfather of Soul.
Pero su popularidad estaba decayendo y surgían voces muy críticas con su postura frente a los acontecimientos del momento. Fácil de entender si tenemos en mente que durante las revueltas posteriores al asesinato del reverendo Luther King, James Brown hacía llamamientos públicos para que se mantuviese la calma en los guetos. Además apoyaba públicamente al candidato demócrata a la presidencia Hubert Humphrey y acababa de sacar la canción patriótica America Is My Home. La postura de sus detractores es fácil de comprender y él mismo no debía de estar muy contento consigo mismo.
Así que Mr. Dynamite decidió dar un giro a su popularidad. Se encerró en el estudio con Pee Wee Ellis y el resto de su banda The JB's y grabaron Say It Loud, I'm Black And I'm Proud.
El single se publicó el 7 de Agosto del 68 y se mantuvo seis semanas a la cabeza de las listas de R&B.
Según Brown y Ellis, la canción habla del orgullo y amor propio que debe tener toda persona para vivir en paz con el resto de la sociedad. No apela al orgullo arrogante que lleva a rechazar a los que no identificas contigo mismo.
La canción fue un éxito total, se convirtió en un himno para el Black Power y fue repetido en manifestaciones por todo el país. La canción apela a algo muy básico, no sólo derechos sociales. Dice simplemente, ser negro no es nada malo, puedes sentirte orgulloso de ello. Esto era la energía que necesitaba mucha gente para mantener la moral alta en momentos tan crudos.
Si queréis pruebas de la acogida que tuvo la canción buscad (a ver si encontráis) el álbum Say It Live And Loud: Live in Dallas 08.26.68. Es el primer concierto en el que James Brown toca Say It Loud. Antes de empezar con este tema hace una introducción exhortando a la gente a que coree "I'm Proud!" con todas sus fuerzas. También anima al público blanco a que lo cante, ya que según él, deben sentirse orgullosos de lo que son. Los asistentes se vuelven locos, estallan y se dejan la garganta repitiendo "I'm Proud" con auténtico fervor. Impresionante!
Este directo estuvo acumulando polvo en una estantería hasta el año 98. Salió al mercado con poca repercusión y una tirada corta. Una pena, porque, a parte de ser uno de los mejores concierto del Padrino del Soul, es un archivo histórico nada despreciable.
La portada del disco muestra la cara de James Brown de fondo, con la mítica imagen de Tommy Smith, uno de los atletas que hizo el saludo del Black Power en las olimpiadas de México 68, superpuesta.
Durante el resto del concierto Mr. Dynamite desgrana sus éxitos de siempre con maestría. Un tema se merece una mención de honor a parte, la versión del clásico Tighten Up de Archie Bell & The Drells.
En Tighten Up la banda se supera
Lo que habría dado por estar en este concierto... En fin, hasta aquí el Listen Whitey! de hoy, manténganse atentos a Marsupio para más.
Hoy os quiero presentar a un guitarrista sobresaliente, Charlie Hunter. Posiblemente no hayáis oido hablar de él y por tanto no habréis tenido ocasión de escuchar lo jugosos que son sus trabajos y lo mucho que trasmite haciendo música. Para los que si le conocen sabréis que me refiero a ese singular sonido que le saca a su instrumento y que no es nada convencional, algo que quedó claro hace unos 20 años cuando dio a conoceer Charlie Hunter trio. Hunter es además un músico de dilatada carrera y a ese primer trabajo, que estaba conformado por un triunvirato, le siguieron 16 más, cada uno con conceptos musicales nuevos respecto al anterior, y así hasta llegar al año 2011 cuando realizó su última colaboración.
Escuche su música por primera vez gracias a un amigo que lo conocía desde hacia ya tiempo, y que un día, mientra lo escuchabamos, me dijó que era un guitarrista bastante original; en un primer momento no me lo parecía y a mi oido no le terminaban de satisfacer las frases de su guitarra. Sin embargo, terminé por bajarme su Friends Seen and Unseen, otro trio (de los muchos que tiene)del 2004; lo escuché para dormir y al diá siguiente, y me convencío. De manera que no puedo dejar de recomendar tres temas realmente excelente de ese trabajo: Greasy Granny, Running In Fear From Imaginary As y Freedom tickler ( los dos últimos no os molesteis en buscarlos en youtube). No me voy a andar por las ramas, no he tenido la posibilidad de escuchar toda su amplia discografía, no obstante y desde que me lo descubrieron le he seguido bastante y solo puedo decir una cosa: pura creatividad.
Encuanto a lo que su estilo respecta, hay que decir que es imposible etiquetarlo como músico de jazz; tiene miles de temas que siguen la linea del jazz sin mezclas, otros que siguen una tendencia más fusionada, y otros tantos en una dinámica funk. Pero lo verdaderamente importante es que es un estilo que consigue con una guitarra de siete cuerdas y suena como una guitarra y un bajo juntos; por poner un ejemplo, con la legendaria discográfica Blue note ha hecho algunos de sus trabajos, entre los que se encuentran su Bing, bing, bing del año 1995, que es su segundo disco y aquí toca con una guitarra de 8 cuerdas: las cinco cuerdas afinadas como una guitarra normal y otras tres cuerdas afinadas como las cuerdas inferiores de un bajo. Esta peculiaridad de su intrumento hacía que al principio de su carrera musical, su sonido llegase a recordar casi a un órgano hammond y eso estará presente en varios de sus discos.
Precisamente con esa sintonía de 7 cuerdas que ya he citado no se puede dejar de escuchar Baboon Strength y su Fine corinthean leather, cuya melodía utilizaba, si recordáis, la cadena radio televisión española en algunos de sus anuncios:
Y para terminar, añadiré que como grande que es, se junta con otros grandes del panorama jazzista o funky y por ello tiene varias colaboraciones de estudio y directos, con otros guitarristas de la talla del bateria Scott Amendola, el guitarrista Will Bernard, al que pude ver en directo hace un par de años en la sala madrileña el Tempo club y que me parece tener un sonido de guitarra similar al de Charlie Hunter en ocasiones; es lo que tiene el haber trabajado juntos durante años. Con el batería Stanton Moore también colaboró y eso ya son palabras mayores... tanto que me despido sin más dilación con dos ejemplos en los que participan Hunter y este batería de funk estilo Nueva Orleans (del que si puedo haré una entrada puesto que estoy seguro de que os va a impresionar). Hasta la próxima ;)
Sweet Home Alabama es una canción escrita por Lynyrd Skynyrd, incluida en su segundo disco "Second Helping" (1974). Se ha convertido en una de las canciones más emblemáticas del grupo y de la cultura sureña americana. Ha sido usada infinidad de veces para mostrar una buena imagen del Sur de EEUU, y también ha servido a políticos para despertar el patriotismo sureño y mover a los votantes. Las ambigüedades presentes en la canción han llevado a muchos a pensar que se trata de una canción racista, una oda a la América segregacionista.
Pero, ¿es Sweet Home Alabama realmente una canción racista? ¿Cómo surgió este clásico?
Lynyrd Skynyrd
En 1970, un cantautor llamado Neil Young, que venía de tocar en Buffalo Springfield y Crosby, Stills, Nash & Young, sacó un disco en solitario llamado After The Gold Rush. Este aclamado disco incluye una canción llamada "Southern Man". En ella, Young carga contra el Sur de EEUU y todos los hombres blancos que se enriquecieron gracias a la esclavitud, y se pregunta, "¿cuándo pagarán por todo el daño que causaron?".
Neil Young - Southern Man
Pocos años después, un grupo llamado Lynyrd Skynyrd, formado por unos chavales del Sur que tocaban con una bandera de los Estados Confederados de fondo en sus conciertos, sacaría una canción en respuesta a la de Young titulada "Sweet Home Alabama".
Esta canción hablaba de lo azul que es el cielo por allí y lo bien que lo pasan por ser de Alabama. Pero no sólo eso. Incluye una lineas dedicadas a Neil Young y su Southern Man:
"Well, I heard Mr. Young sing about her (Alabama)
Well, I heard ol' Neil put her down
Well, I hope Neil Young will remember
A Southern man don't need him around anyhow"
Lynyrd Skynyrd - Sweet Home Alabama
Los segregacionistas y los rednecks paletos estaban de enhorabuena. Ahora tenían una gran banda apoyando la causa blanca a lo largo y ancho del país. Y encima eran buenos. Muy buenos.
Llegarían incluso a ser nombrados tenientes coroneles honorarios del Estado de Alabama por el Gobernador George Wallace, el mismo que se negó a que dos estudiantes negros entraran en la Universidad de Alabama, incumpliendo así una resolución anti-segregacionista de la administración Kennedy que permitía a los negros estudiar en las mismas universidades que los blancos.
Alguno conocerá este episodio histórico gracias a la escena incluida en la película Forrest Gump.
Wallace (a la dcha.) "bloqueando" la entrada de la universidad
El general Wallace es también famoso por las palabras que pronunciaría al ser nombrado gobernador de Alabama:
"In the name of the greatest people that have ever trod this earth, I draw the line in the dust and toss the gauntlet before the feet of tyranny, and I say segregation now, segregation tomorrow, segregation forever."
Sweet Home Alabama sigue siendo usada hoy muchas veces como estandarte de la supremacía blanca.
Pero muchos ignoran que la verdadera intención de la letra de Ronnie Van Zant (compositor de Lynyrd Skynyrd) no era amedrentar a Neil Young, sino más bien demostrarle que, a pesar del triste pasado sureño, no todo lo que hay en el Sur son paletos racistas.
Después de todo, Southern Man es una canción escrita por un canadiense que reside en Los Angeles, criticando a gente del Sur de Estados Unidos. Lynyrd Skynyrd tan sólo le dejaron claro que el Sur no es sinónimo de racismo. El Sur es también el rincón de cielos claros al que siempre se podrá ir para volver a casa.
El otro día un amigo me dio un toque de atención… "Tío siempre escribes de música viejuna… eres un necrófilo musical o algo así??" Y la verdad es que tiene razón, así que allá voy, me tiro a la piscina con algo fresco fresco:
Os presento a una damita del soul y su banda Nicole Willis & The Soul Investigators que acaban de publicar su último trabajo Tortured Soul.
Nicole Willis empezó su carrera en solitario allá por el año 2000. Antes de eso formaba parte de un grupo de acid jazz llamado Repercussions. En Octubre del mencionado año sacó su primer álbum Soul Makeover, de estilo downtempo y house.
Ojo, hasta aquí su carrera no me causa el menor interes. A ver, una pequeña confesión, no soy fan del downtempo, chill out o como quieras llamarlo... Por desgracia para mi hay un montón de temas que mezclan estos estilos con grooves funk por ahí y la estética que proponen es muy tentadora. Algún día caeré en sus promesas y encantos, pero hasta la fecha me resisto.
Pero bueno, basta de tonterías, estamos aquí por Nicole Willis, así que sigo por donde iba.
En 2006, para mi disfrute personal, decide dedicarse sólo al soul. Saca un trabajo nuevo Keep Reaching Up, con la ayuda de una banda finlandesa The Soul Investigators. Este disco salió en pleno revival de sonidos vintage y por eso se incluye un poco de todos los estilos de más renombre dentro del soul.
Vertiente más popera y suave, estilo Motown de los 60 en If This Ain't Love (Don't Know What Is).
Bongos, guitarras wah-wah y sección de cuerdas en Feeling Free. Bonito homenaje a Superfly!
Vientos, coros y organo en A Perfect Kind of Love.
Funk cañero con voz un poco distorsionada en Keep Reaching Up
Por último un poco de blue-eyed soul con la balada Blues Downtown.
Es un gustazo escucharlo y para colmo un repaso con mucha clase por las variantes más prominentes del género. Agradezco tanto estas bocanadas de aire fresco que le perdono todos los coqueteos previos con el acid jazz.
Siete años más tarde, es decir ahora mismo, ha sacado material nuevo, Tortured Soul. Para este proyecto ha vuelto a contar con The Soul Investigators que ya demostraron saber hacer buenos ritmos. La idea es la misma, un sonido clásico, tocando todos los palos del soul, pero además incluyen algunos temas de corte blues y R&B.
Interesante propuesta, Break Free, de aires R&B
El álbum se publicó el 25/03/13, así que me lo he escuchado sólo un par de veces y por ahora aventuro que el resultado es simplemente muy muy bueno.
Ha sido una grata sopresa ver que la banda ha ganado protagonismo. Hay temas más acústicos, donde The Soul Investigators pueden explayarse y construir unos buenos grooves. También se incluyen solos de guitarra y organo que suenan bastante bien.
Otra vez nos parece escuchar a Curtis Mayfield o a Isaac Hayes en este tema, Light Years Ahead
Atención a los Soul Investigators a partir del minuto 3:00, que delicia!
Cuando escuchemos Tortured Soul nos vendrá a la mente algún detalle de Keep Reaching Up, pero en general es un trabajo bien pensado y cuidado, no una mera continuación de este último.
Mientras escribía esto estaba escuchando de nuevo el álbum y cada vez me convence más. Lo estoy disfrutando bastante y os lo recomiendo encarecidamente. Material fresco, buenas ideas y ganas de hacernos bailar, más no se puede pedir.
El Marsupio cósmico salta de alegría con Nicole Willis & The Soul Inspectors.
Nota: Escribí todo esto hace unos cuantos días y mantengo mi opinión, buena música, quizás no pase a la historia pero está bien.
